Andy Warhol era un diseñador publicitario que soñaba con la fama. El hijo de inmigrantes checos encontró en las artes plásticas un espacio para expresarse y darse a conocer.

Es el padre del movimiento «Pop Art» y feroz enemigo de la pintura subjetiva y elitista de los grandes artistas. En sus inicios, Warhol comenzó por copiar pictóricamente las secuencias extrídas de diferentes cómics en inmensos formatos. Luego, pasó a la ampliación fragmentada de anuncios publicitarios y marcas comerciales.

En 1962 por fin encontró su porpio estilo creando su centro de arte llamado «The Factory». Allí se encargó de realizar la reproducción de marcas de distintos objetos de la vida cotidiana y la multiplicación sobre fotografías de estrellas de la sociedad de sus tiempos, como la inolvidable Marilyn Monroe.

Con estas innovadoras obras, Andy Warhol logró destacarse en el mundo artístico, convirtiéndose en una reconocida figura que trascendió distintas epocas, y hoy es el ícono de uno de los movimientos vanguardistas más importantes.

A final es de 1950, en pleno auge económico,  se empezó a gestar en EE.UU.  e Inglaterra un movmiento artístico que elevó los objetos banales de la vida cotidiana a la altura de verdaderas obras de arte. Las características más importantes son la constante crítica y la profunda denuncia hacia un sistema capitalista que dominaba la vida y la organización de la sociedad.

Luego de años de abstracción artística, las botellas de Coca – Cola, latas de sopas en coserva y los paquetes de detergente se convirtieron en las imágenes protagonistas de un público que se sentía inmerso en un mundo conocido y comprensible. Este público constituía toda una nueva generación de jóvenes rebeldes capaces de revelarse contra la autoridad y las normas impuestas por la sociedad.

Las obras de arte se convirtieron en productos de la industria cultural fabricados en serie, a través de la serigrafía por ejemplo, y fueron perdiendo su sentido de unicidad en el estudio «The Factory» de Andy Warhol, uno de los máximos representantes del «popular art» junto a Hamliton, Oldenburg, Wesselmann y Hockney.  

Teniendo como precedente a los estudios de impresionistas y puntillistas, la intención fue crear el movimiento y las imágenes a partir del contraste entre colores, formas y volúmenes, como producto de una excitación psicológica.

A mediadios de 1950 el color se convirtió en el protagonista y en la finalidad de las obras artísticas. La pretención de los artistas de este movimiento, como  Victor Vasarely y Bridget Riley, fue la de crear ilusiones ópticas a través de la línea, el volúmen, el espacio y porsupuesto el color.

El «optical art» formó parte de la «abstracción concreta» y sus artistas hicieron hincapié en que la pintura abstracta no evoca algo fuera de ella, sino que posee un valor propio.

«El punto esencial del realismo es la negación del ideal. Con el rechazo del ideal y de todo lo que deriva de él alcanzo liberación total del individuo hasta llegar a la realización de la democracia.» Gustave Coubert.

Con esta frase, el creador del nombre de este movmiento describió la intencionalidad de representar escenas de la vida cotidiana de concepción socialista, provocando gran rechazo por parte del público conservador y los críticos de arte por considerarlas «banales».

La intención del realismo en la segunda mitad del siglo XIX es la de representar la realidad visible, de la forma más clara posible y las relaciones sociales que tienen lugar en ella. Como se puede observar en el cuadro «Los picapdreros» de Coubert, donde el pintor muestra la miseria y el trabajo forzado mal remunerado de una clase social, además de identificarse con los ideales socialistas de la época.

«Creo en la futura disolución del sueño y la realidad, circunstancias que en un principio parecen tan diferentes, en una especie de, si se quiere, surrealismo». Así, el escritor André Breton comunicó el nombre de este movimiento que comenzó a desarrollarse en Francia en la década de 1920.

Los artistas surrealistas se interesaron por los estudios de Sigmond Freud sobre los sueños, entendiendo que el comportamiento y el sentimiento del ser humano vienen determinados por fuerzas desconocidas.

La intención de los artistas de este movimiento será la de invocar aquellos ámbitos que se encuentran fuera del mundo real, a través de sueños, alucionaciones o sugestiones.

Entre los surrealistas se destacan en el ámbito de la pintura: Salvador Dalí y Joan Miró.

«La peristencia de la memoria (los relojes blandos)» es la obra más característica de Dalí. El derretiemiento de los relojes representa el paso del tiempo y el desvanecimiento de un espacio temporal en la mente humana, introduciendo elementos inexplicables que determinan la vida presnete.

Llega Semana Santa y con ella un tiempo para descansar, pasear, reunirse en familia y disfrutar de ricos chocolates, además para muchos también significa un momento de gran espiritualidad y celebración religiosa.

Uno de los ritos característicos es el recorrido por siete iglesias, para ello nuestra ciudad nos ofrece gran cantidad de templos que convierten a Córdoba en “la ciudad de las campanas”.

Más allá del significado religioso, se trata de una visita a lugares monumentales que en sus construcciones nos ofrecen delicadas pinturas, grandiosas esculturas, mucha historia y gran valor arquitectónico que no podemos dejar de conocer.

 

El recorrido comienza en la iglesia mayor de Córdoba que se encuentra emplazada sobre la intersección de las calles Independencia y San Martín, frente a la Plaza San Martín y junto al cabildo histórico. La Catedral se caracteriza por presentar un estilo austero y colonial en su fachada exterior que contrasta con la decoración interior inspirada en el barroco y los  principados europeos.

 

 

Luego podemos dirigirnos hacia dos Iglesias Monasterio que albergan conventos de monjas de clausura, éstos son la “Iglesia del Monasterio de San José de las carmelitas descalzas de Santa Teresa” (Independencia 122-30) y la “Iglesia del monasterio de Santa Catalina de Siena” (peatonal Obispo Trejo), siendo éste último el primero convento de monjas del Virreinato del Río de la Plata. Ambos se convierten en recintos extraordinarios en los tiempos de hoy y que, sin embargo, todavía siguen expectantes en medio de la ciudad.

A una cuadra de allí nos encontramos con “La compañía de Jesús” (Caseros y peatonal Obispo Trejo), una de las iglesias más antiguas del país y el continente americano, muestra la representación de una cultura y una época a través de las formas arquitectónicas que permiten empaparnos del espíritu evangelizador y la impronta de los jesuitas en Córdoba.  

Llega el momento de conocer la quinta iglesia, ubicada en Av. Vélez Sarfield y Deán Funes y conocida como “Iglesia de Santo Domingo”, allí se albergan obras de gran valor y de reconocidos artistas como Genaro Pérez y Emilio Caraffa. Además, cuenta con una de las cúpulas más impactantes y que según cuenta la historia, los azulejos con los que está construida fueron donados por el presidente Urquiza cuando se construía la catedral de Paraná.

 

Se acerca el final de nuestro recorrido y nos dirigimos al corazón de Nueva Córdoba para conocer la “Iglesia de San Francisco”  (esquina de las calles Buenos Aires y Entre Ríos), una construcción que contiene las últimas expresiones de la España borbónica y el nacimiento de la Argentina como país independiente.

Para finalizar nos acercamos a un recinto cargado de misticismo, sombras y colores, se trata de la “Iglesia de Los Capuchinos” (Obispo Oro esquina Buenos Aires). Se caracteriza por una marcada influencia del estilo gótico, un gran grupo escultórico, arcos ojivales, variadas columnas y una gran torre en forma de pináculo por la cual aún hoy la historia se pregunta por qué le falta su gemela en el otro extremo.

 

 

 

Durante la celebración de su Centenario, la Argentina se caracterizaba por vivir un momento de gran esplendor económico y este hecho se reflejaba en diferentes ámbitos de la organización de la vida en el país, uno de ellos sin duda fue el arte y la arquitectura.

 

La posibilidad de erigirse frente al mundo como uno de los estados de mayor apogeo le permitió a la clase aristocrática argentina acceder a diversos gustos y placeres. Los viajes de arquitectos y artistas alrededor de Europa inspiraron la construcción de enormes y lujosas residencias, siguiendo las tendencias artísticas imperantes en aquella época. 

 

Este proceso de transformación y progreso se reflejó en la evolución arquitectónica y urbanística de varias ciudades argentinas, en Córdoba este fenómeno se hace presente en un sector denominado originalmente Ciudad Nueva, hoy más conocido con el nombre de Nueva Córdoba. Nació hacia 1886, cuando se buscaba dotar a la capital provincial de un nuevo barrio y un gran parque, los cuales tuvieron base en los criterios urbanísticos de París.

 

Estas grandiosas construcciones causan emoción en la mayoría de los cordobeses y de los argentinos, así como también se convierten en claves atractivos para los visitantes extranjeros.

 

Se trata de testimonios de la Argentina del Centenario, cuando se construía con energía y calidad obras por todo el país, tomando la innovación de múltiples culturas y aprovechando su momento de gloria.

 

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La intención de los artistas que formaron parte de este moviemiento, que se extendió entre 1907 y 1925, consistía en descomponer los objetos y volverlos a elaborar según sus elementos básicos como un cubo, un cono o una esfera.

El interés principal de los cubistas era la sistematización de la estructura del espacio, por lo tanto le restaron importancia al color limitándose a utilizar tonos marrones y grises en sus composiciones.

A partir de 1910 comienza una nueva faceta dentro del movimiento cubista con la incorporación de elementos de la vida cotidiana (trozos de papel o recortes de periódicos), esta nueva forma de producir arte pictórico marcó el antecedente de futuras tendencias artísticas como: colage, fotomontaje y assemblage.

Uno de los máximos representantes del movimiento y uno de los pintores más famosos del siglo XX es: Pablo Piccaso. Su obra llamada «Guernica» es el ícono del cubismo por la composición distorsionada de las formas, la estructuración del espacio, la yuxtaposición de los planos en el lienzo y la utilización de blanco y negro solamente. «Guernica» muestra el horror y la destrucción de la ciudad luego de un bombardeo provocado por el régimen fascista de Franco en abril de 1937. Piccaso siempre fue un hombre comprometido en la lucha política de su país y frente a eso afirmaba como cuidadano y artista: «¿Qué cree usted que es un pintor? ¿Un imbécil que sólo tiene ojos? La pintura no se ha inventado para decorar casas, es un arma de ataque y defensa contra el enemigo.»

Lola Mora fue una gran artísta de nuestro pais, nacida en la provincia de Tucumán el día 17 de noviembre, fecha que desde hace pocos años se conmemora como el «Día Nacional del Escultor». Este dato es poco conocido, al igual que se legado arístico, ya que siempre fue más relacionada con los chismes del poder politico, por ser protegida de Juilo A. Roca y Bartólome Mitre, que con la importancia de su obra.

Sin embargo, se dio el gusto de erigir y emplazar la única gran obra que nadie le encargó: «La Fuente de las Nereidas», conjunto escultórico impactante emplazado en la capital del país, a través del cual el mundo entero la conoce.

 Fue una mujer realmente transgresora para la época en que vivió, usaba pantalones, se trepaba a altísimos andamios para tallar el mármol de una forma peculiar que combinaba el naturalismo con icnonografía clásica, presicion técnica e intelgencia inigualable para concebir el espacio.

Su legado se encuentra en diversas cuidades como Tucumán, Rosario, Buenos Aires y en el exterior también, esperando por un reconocimiento de todos los argentinos que logren conmoverse con las creaciones de una «provinciana» que supo romper muchas reglas, en su vida personal y artística, demostrando que ni el imponente mármol podía frenarla cuando se proponía algo.

 

 

 

 

 

La principal característica de este movimento artístico, que tuvo lugar entre los años 1800 y 1850 reside en su compromiso con la realidad social, que incluye un deseo de rutpura con la restauración monárquica, la infiltación de ideas revolucionarias como la declaración de derechos, la recuperación de valores tradicionales de cada país y la exaltación sentimientos por la patria, el amor, la religión.

Estos ideales se manfiestaron con mayor fuerza en Francia y Alemania, donde los círculos conservadores no recibieron bien la propuesta de generaciones jóvenes que pretendían cambiar el mundo por medio de una revolución que abracara todos los campos y, por supuesto, al arte también.

Las principales características de la pientura del período romanticista son: ruptura de la uniformidad, recuperación del color, dinamicidad en las composiciones e inclusión de temas históricos como guerras o catástrofes.

Los máximos exponentes del movimiento son los pintores Gericault y Delacroix, éste último creó uno de las obras más emotivos y representativos de la época: «La libertad guiando al pueblo».

En este cuadro se muestra un hecho que ocurrió realmente, se trata de una barricada en París en contra del rey Carlos X, quien tenía la intención de restringir la libertad de prensa. Es posible apreciar la sensibilidad y compromiso de su autor, no sólo a través del tratamiento de la luz mediante claroscuros, sino en la autorepresentación de Delacorix en el cuadro, como un revolucionario más que se encuentra luchando de sombrero y arma en mano. El motivo de la pintura es el compromiso con la causa revolucionaria en Francia y su objetivo es mostrar a la libertad, mediante la figura de una mujer real y sensual, como la madre de todos los valores y la única garantía de justicia e igualdad entre los hombres.